Брошь, Cartier New York, специальный заказ, 1925 год. Платина, один изумруд огранки «кабошон» весом 15,12 карата, один бриллиант огранки «подушка» весом 3,83 карата, коралл, черная эмаль, бриллианты. Нильс Херрманн, Коллекция Cartier ©Cartier
Модернизму уже сто лет, но он по-прежнему жив и наполняет ювелирные изделия совершенно новым настроением авангардной, концептуальной, абстрактной утонченности. Существуют явные параллели между 1920-ми и 2020-vи годами, между первоначальным модернистским движением и нашим видением современности 2020-х годов.
Лекция Вивьен Беккер исследует эти параллели через основные художественные и культурные влияния, сформировавшие целое столетие, которые иллюстрируют, как модернизм развивался во времени.
Модернизм – начало
Модернизм официально начался в 1920-х годах. Акцент в дизайне ювелирных изделий был сделан на абстрактных формах, геометрии, на простых композициях формы, формы, цвета и текстуры — в резком контрасте со "стилем гирлянды" Прекрасной эпохи и натуралистическими формами и формами ювелирных изделий в стиле модерн.
Начало XX века характеризовалось огромными технологическими инновациями и расширением торговых отношений, которые открыли двери для богатого культурного обмена между странами и континентами. Таким образом, одно из самых важных влияний на драгоценности 1920-х годов — это ориентализм.
После 1910 года мода резко изменилась. Модельеры того времени изменили женский силуэт. Они освободили женщин от корсетов и были одержимы, как и все, кто занимался дизайном и модой того времени, ориентализмом. Частью ориентализма был интерес к экзотическим, иностранным культурам, и это привело к появлению концепции знаменитой Пантеры Картье. Мотив пантеры представляет собой абстрактную интерпретацию кожи пантеры, и то, как он был разработан, также проложило путь к повальному увлечению черно-белыми драгоценностями, происходящими из подавления цвета и использования белых бриллиантов и черного оникса. Другое важное влияние оказало исламское искусство. Многие из архитектурных решений блоков ар-деко пришли из исламского искусства и дизайна, так что геометрия исламского декоративного дизайна архитектуры может быть представлена, например, в косметичке.
Цвета также были особенно важны. Первое представление Русского балета в Париже состоялось в 1910 году с «Шахерезадой», и это представление пробудило идею цвета, которая была введена в украшения.
Ранний этап ар-деко.
Ар-деко можно разделить на два основных стиля. Первым был ар-деко и его интерпретации классических мотивов, пришедших из Belle Epoque: неоклассические мотивы, мотивы французского возрожденческого стиля 18-го века, такие как ваза или урна. В период ар-деко эти мотивы стилизуются, уплощаются, а натурализм модерна тяготеет к геометрии. Другое важное влияние оказало африканское искусство. Это пришло из колоний, из путешествий, из увлечения и понимания чужих земель и далеких культур. Художники и дизайнеры, включая Пикассо, были особенно очарованы африканскими масками, племенным искусством и украшениями. Маска играла важную роль в церемониальном ритуале, и привлекательность этого предмета лежит в основе создания украшений для масок, которые были так популярны в то время. От Африки до Азии,
Жан Фуке разработал украшение для китайской маски, известное украшение того периода с бирюзовыми бусинами. И что интересно, так это изменение формы: фокус ее меняется с горизонтального на вертикальный в соответствии с модой того времени [1] .
Еще одно сильное влияние на ар-деко оказало египетское искусство, столь популярное в те годы, особенно потому, что гробница Тутанхамона была обнаружена в 1922 году (ровно сто лет назад). Ювелиры, такие как Cartier, использовали предметы старины в своих драгоценностях египетского возрождения, которые пользовались большим спросом у коллекционеров (как и сегодня, отчасти потому, что они использовали подлинные египетские предметы старины, вокруг которых были созданы драгоценности). Кроме того, кубизм и футуризм сыграли огромную роль в развитии модернизма благодаря их ориентации на геометрию. Футуристическое искусство заключало в себе высокую энергию и скорость современной жизни и современного мира науки, техники и промышленности, путешествий, особенно автомобилей, самолетов и поездов, а также городскую идею жизни. Итак, футуристическое искусство символизировало новую городскую жизнь.
Размышляя над этим, можно найти параллели с сегодняшним днем. Художники и дизайнеры поворачивались спиной к прошлому, к ностальгии. И женщины тоже наслаждались совершенно новым образом жизни. В то время после Первой мировой войны существует совершенно новый мировой порядок. Социальный порядок изменился: во время Великой войны женщины заняли мужские должности; они вели машину, танцевали, занимались спортом, пили коктейли, курили, и одежда должна была соответствовать их новой жизни и образу жизни. Здесь появились платья-хлопушки с длинными стройными силуэтами и медвежьими рукавами, которые так и просили браслеты. Женщины носили короткие волосы, прося длинные серьги. Результатом стало удлинение силуэта, отраженное в украшениях.
И драгоценности должны были развиваться, потому что они должны были отражать новые идеалы женственности. Геометрия модернизма отразилась и в новой огранке бриллиантов. В огранке бриллиантов был достигнут прогресс, и излюбленной огранкой того времени был багет, маленькая геометрическая полоса света, вместе с изумрудной огранкой, которая использовалась для создания угловатых геометрических очертаний, которые были частью модернизма, с использованием вида строгой геометрии, которую миссис Беккер называет «жемчужной архитектурой».
От ар-деко до модернистских драгоценностей
В 1920-х годах группа талантливых художников привнесла в ювелирные изделия то, что Вивьен Беккер определяет как «истинный модернизм». Эти драгоценности противопоставляются украшениям в стиле ар-деко или исходят из них. Это совсем другая эстетика; драгоценности были сделаны в другом духе. Ювелиры, многие из которых происходили из давних семей ювелиров, очень радикально подошли к ювелирному искусству. Среди них такие художники, как Жан Фуке, сын Жоржа Фуке, Раймон Темплиер, Жерар Сандос… И Раймон Темплиер был, пожалуй, самым радикальным из них, поскольку создавал поразительно модернистские драгоценности для Голливуда — такие, как картины дивы Брижит Хельм, знаменитой за ее роль в шоу «Метрополис» – начало отношений между ювелирным делом и Голливудом, которые должны были оказать действительно важное влияние на ювелирный дизайн.
1925 г.
После 1925 года, после этого буйного яркого цвета и захватывающих цветовых комбинаций (таких как драгоценности «Tutti Frutti» от Cartier), цвет был подавлен. После 1925 года драгоценности стали монохромными, черно-белыми или полностью белыми. Ювелиры любили использовать отражающие металлические поверхности. Они играли со светом, и свет стал основной частью драгоценности, наряду с драгоценными камнями. Дизайн представлял собой чистую композицию света по форме и форме. Ничего фигуративного, все абстрагировано. Однако самое важное влияние, особенно на эту группу художников-ювелиров, оказала машина, и, как сказал Тамплие, «когда я иду по улицам, я повсюду вижу идеи для драгоценностей, колеса, автомобили, машины сегодняшнего дня. ». Это дало ему и его коллегам совершенно новый визуальный язык и эстетику, в которой сильный, мощные формы заменили любые замысловатые или изобразительные мотивы и композиции. И действительно, в 1925 году художники-модернисты (не только ювелиры, но и дизайнеры-декораторы, и художники) создали свой «Союз художников модерна» — с присоединением к нему ювелиров этот союз стал настоящей движущей силой.
Во всем этом технология занимала центральное место. Именно технологии создали современный мир таким, какой он есть сегодня. Развитие технологий сегодня происходит быстро и радикально влияет на нашу жизнь. Поэтому можно сказать, что сегодня существует новое модернистское движение. А еще в 1925 году машина олицетворяла освобождение, а этот новый мир олицетворял путешествия, работа была проще, поскольку она была механизирована. Конвейерная промышленность процветала. Художники-ювелиры видели в машине настоящую красоту, как и в других механических формах, таких как металлические трубы, коленчатые валы, всевозможные элементы механизмов. Это укрепило монохромную тенденцию, и интересно наблюдать, как Картье смог предвосхитить ее еще в 1914 году с мотивом кожи пантеры — довольно авангардным в то время.
Геометрические драгоценности процветали, и такие художники, как Жерар Сандос, смешивали разные металлы с необычными или менее драгоценными материалами в одном и том же творении. Также часто использовался лак. Вероятно, это произошло потому, что эти художники хотели передать сообщение о воспринимаемой ценности. Они хотели возвысить драгоценность до уровня настоящего произведения искусства, поэтому преуменьшали внутреннюю ценность, поскольку хотели изменить акцент в драгоценности — из символа статуса в произведение искусства. Это были художники, играющие с драгоценностью материалов, вводящие нетрадиционные, скромные материалы, такие как лак, используя металлические трубки в качестве декоративного элемента с очень острыми, очень графическими мотивами. Конечно, основные ювелиры также приняли современную жизнь, и новый модернизм проник в крупные Дома, во главе с Cartier.
С 1925 по конец 1930-х гг.
К концу 1930-х годов произошли заметные изменения. И это изменение можно отнести к 1937 году, когда в Париже прошла еще одна выставка, «Международная выставка искусств и технологий в современной жизни», которая показывает, как выражение «современная жизнь» было ключевым выражением периода.
Женщины становились все более активными, занимая мужскую работу, и они начали влиять на дизайн ювелирных изделий. Одним из величайших примеров в этом смысле была Сюзанна Бельперрон. Она создавала очень модернистские, очень механистические украшения. Однако в середине 1930-х годов драгоценности, хотя и оставались абстрактными и очень модернистскими, начали становиться более округлыми, немного более женственными.
Ретро Стиль
1937 год стал важной вехой: это было начало так называемой «эры коктейлей», также известной как «ретро-модерн» или стиль 1940-х годов. Ювелирные изделия, созданные в конце 1930-х годов, по-прежнему механистичны, сильны, абстрактны, по-прежнему основаны на геометрии, но они более пухлые, более сладострастные, демонстрируют своего рода «застывшее движение», как сказала Вивьен Беккер.
С социальной точки зрения следует учитывать, что в этот период экономика не была на пике своего развития, а со Второй мировой войной самые благородные и драгоценные металлы и драгоценные камни стали недоступны. Таким образом, эти обстоятельства привели к появлению смелых пышных драгоценностей, которые использовали объемы, чтобы казаться драгоценными. Это был «большой взгляд за меньшие деньги». И снова в 1939 году всемирная выставка в Нью-Йорке охватила и «завтрашний день» – темой стал «завтрашний мир». Некоторые из драгоценностей, выставленных в этих ювелирных павильонах, иллюстрируют коктейльный стиль конца 30-х – начала 1940-х годов, что опять-таки является еще одной интерпретацией модернизма.
1960-е и 1970-е годы
Это было еще одно великое время социальных, культурных и художественных перемен, социальной революции. Это было время, устремленное в будущее, одержимое, может быть, не столько модернизмом, сколько футуризмом – временем космических и научных исследований. И это, в сочетании с социальной революцией, с Новым мировым порядком, породило новое настроение модернизма в дизайне ювелирных изделий, которое снова оказалось чрезвычайно влиятельным.
История повторяется, и вдохновение снова приходит от машин, от технологий, и ювелиры, такие как Жан Динь Ван, французско-вьетнамский дизайнер, который учился в Париже, хотели придать новое выражение ювелирному искусству, опираясь на повседневную жизнь. промышленные объекты. Любимыми мотивами Дина Вана были замки, бритвенные лезвия и наручники. Его творения демонстрируют непреходящее влияние века машин 1920-х годов и оригинальных модернистов, а также связь ювелирных украшений с радикальным искусством 60-х и 70-х годов.
Одним из самых представительных дизайнеров того времени был Альдо Чипулло. Он был известен тем, что сказал: «Я создал дизайн для сегодняшнего дня, думая о завтрашнем дне. Я верю в завтрашний день», и все его внимание было сосредоточено на современности, привнося украшения в современную повседневную жизнь, делая ее актуальной. У него была любовь к скобяным лавкам, он переехал в Нью-Йорк из Рима и в 1969 году предложил Картье свой дизайн любовного браслета, на создание которого его вдохновил хозяйственный магазин, а также, как гласит история, из-за разбитой любви. Его аппаратные компоненты, гайки, болты и винты, все они казались жесткими и промышленными. Но для Чипулло они обладали особой теплотой: теплотой латуни в скобяной мастерской. Они также олицетворяли связь, силу связей, ту взаимосвязанность отношений, которых он жаждал. Но, по его словам, люди забывают друг друга.
Поэтому Чипулло, желая чего-то сильного и геометрического, также искал выражение более теплое, обнимающее, и сосредоточился на круге, самой чистой из геометрических форм. По словам Чипулло, это было не ответом на потребность или желание, которое он чувствовал, он инстинктивно уловил больше мягкости в жизни. На него не влияла мода, но благодаря тому, что он так прекрасно уловил настроение момента, его драгоценности определенно стали частью моды.
Мода 1960-х незаметно сменилась с модернизма на футуризм. Все дело было в космической эре. Драгоценности должны были отражать современную жизнь. Женщина 1960-х годов была еще более раскрепощенной (вспомните мини-юбку). И если Сюзанна Бельперрон была модным словом между 1930-ми и 1940-ми годами, Эльза Перетти стала воплощением современной женщины в 1960-х и 1970-х годах. Хотя ее драгоценности не были строго модернистскими, как мы думаем о модернизме сегодня, в то время они были невероятно современными и изменили ход истории ювелирного искусства.
В 1960-х и 70-х дизайнеры не чувствовали, что они должны исходить из традиционных традиций. Им не нужно было проходить традиционное обучение. И это, конечно же, привнесло в отрасль новую, динамичную и творческую энергию. Еще раз, современное движение исходило от небольшой группы художников-ювелиров, которая начала и нашла свой дом в Лондоне, во главе с Эндрю Гримой. Традиционно он не тренировался на скамейке запасных, но у него была возможность, талант, видение и воображение, чтобы придать совершенно новый взгляд на высокое ювелирное искусство. Его стиль во многом был ответом на новое богатство, на новое поколение молодых, богатых потенциальных любителей драгоценностей, которые вели другой образ жизни и хотели, чтобы их драгоценности отражали это. Такой образ жизни был более свободным, менее формальным, должен был быть более небрежно роскошным и не подчиняться устаревшим традициям. Сегодня Грима известен своими текстурированными золотыми работами. Он также многое рисовал с натуры, но использовал спаянные вместе ребристые линии золота, чтобы придать украшениям новое органическое ощущение. Грима также славился введением цветных камней, тех полудрагоценных камней, на которые смотрели свысока, и он также не боялся использовать необработанные камни, жеоды, кристаллы. В украшениях Grima чувствуется движение, энергия, динамизм этого нового поколения ювелиров.
Современные ювелиры-модернисты
Глядя на некоторых современных ювелиров, работающих в стиле модерн, на ум приходит Хеммерле в Мюнхене. Это история семейного ювелира, которым руководит новое поколение, стремящееся что-то изменить, двигаться во времени, в духе момента. Когда он возглавил традиционный семейный бизнес, Штефан Хеммерле представил совершенно новый вид, который действительно восходит к геометрии и стилизации 1920-х годов и особенно связан с современным искусством, сосредоточив внимание на композициях формы и цвета. Все было уменьшено в линиях и форме благодаря новым исследованиям необычных материалов, таких как железо и бронза, а также множество разноцветных камней.
Все движутся в унисон с сегодняшним модернизмом. Даже самые великие Дома применяют инновационные технологии для создания объемов и стилизованных геометрических форм, чтобы по-новому интерпретировать дизайны из своего прошлого — и снова Cartier Panther является прекрасным примером.
Примером могут служить драгоценности Фабио Салини, римского ювелира, который около 20 лет экспериментировал, чтобы найти совершенно новое выражение для ювелирного искусства, которое, по его мнению, актуально сегодня. Он работает с чистыми геометрическими формами, поразительными композициями цвета и формы, и использует отражающие поверхности, как это делали художники-ювелиры в 1920-х годах для создания иллюзии. Ювелирные изделия Fabio Salini демонстрируют сочетание классических драгоценных материалов с более нетрадиционными материалами, такими как углеродное волокно. Его проекты показывают племенные загрязнения и сочетают в себе изысканность с этническим элементом искусства.
Сегодняшний день характеризуется не только влиянием новых технологий, но и новыми материалами, в частности титаном, который является материалом космической эры, очень прочным и легким. Огромный прогресс был достигнут за последнее десятилетие в работе с титаном, которому теперь можно придавать форму, формовать и лепить. Больше экспериментов связано с такими материалами, как бетон, сибирь; на дизайн повлияли дизайнеры современного искусства и использование многоуровневых перспектив для достижения трехмерного вида.
Ювелирный дизайн цикличен. Пришло время перемен, и, по словам Вивьен Беккер, мы переходим к новому, более графическому, более геометрическому виду. Это может быть новая интерпретация органического вида, возможно, того репрезентативного взгляда на природу, к которому мы так привыкли за последние несколько десятилетий, который возможен сегодня благодаря новым технологиям, новым материалам и, конечно же, высококвалифицированному мастерству.
[1] В Belle Epoque у женщин был S-образный силуэт с выдвинутым вперед бюстом и отведенными назад бедрами. Они были туго корсетированы, так что это был очень пышный фасон, и акцент делался на корсаже, а драгоценности были вертикальными и огромными по форме.
