брошь-камея «Валькирия» в стиле ар-нуво. Около 1910 года. Фон из черепахового панциря, оправленный в 18-каратное желтое золото и бриллианты
Мир искусства, в том числе и ювелирного, кажется, заново открыл для себя непреходящую привлекательность силуэтов — фигур, представленных в профиль, которые запечатлевают как таинственность, так и реалистичную форму. От ювелирных изделий с инталией Древнего Рима, теперь переосмысленных в современном дизайне, до мощных работ Кары Уокер, которая переосмысливает силуэтную портретную живопись, эта форма искусства охватывает столетия.
Мы очарованы силуэтами за их непреходящую элегантность и сдержанную красоту. Эти заветные семейные реликвии, любимые прошлыми поколениями, сохранили почти постоянное присутствие в моде и дизайне. Присоединяйтесь к нам, и мы исследуем увлекательную историю силуэтов, их разнообразные формы и причины, по которым нас постоянно привлекает их уникальное мастерство.
Камея против инталии: затененная красота
Начиная с древности, люди использовали искусство резьбы для манипулирования тенями, чтобы преобразовать сырье, как драгоценное, так и обычное, в миниатюрные шедевры. Рисунки могут раскрывать замысловатые истории природы, людей или животных, и сердце этого мастерства заключено в двух различных техниках: камея и инталия. Эти противоположные методы гравировки воплощают поэтическую манипуляцию светом, предлагая захватывающий взгляд на то, как древние и современные ювелиры принимают баланс затененной красоты.
И камея, и инталия относятся к резьбе, выполненной на драгоценных камнях, в совокупности известной как «глиптика». Ключевое различие заключается в направлении резьбы. Камея — это метод гравировки вокруг изображения для создания «позитивного» или выпуклого рельефа. С другой стороны, инталия — это когда изображение вырезается для создания «негативного» или утопленного рельефа.
Древнеримские серьги с инталией и камеями. Головы Медузы (инталия) около 3 в. н. э.; камеи 19 в. Оправа из 22-каратного золота
Исторически говоря, камея также относится к резьбе, где само изображение отличается по цвету, контрастируя с фоном. Мастера добивались этого, вырезая вокруг желаемого изображения так, чтобы единственной оставшейся частью было само изображение, будь то драгоценный камень или нейтральный камень, установленный на драгоценном камне. Вместо этого инталия гравируется непосредственно на драгоценном камне, чтобы создать рельефное изображение с утопленными частями драгоценного камня, которые создают объем.
камея из сардоникса с портретом императора Августа. Около 41–54 гг. н.э. Метрополитен-музей.
Обе формы гравировки, которые все еще практикуются в современную эпоху, в основном происходят из древнеримских и греческих традиций. В древние времена камеи и инталии носили как украшения, в основном в перстнях и серьгах. В этих цивилизациях гравировки почитались за их предполагаемые талисманные и защитные свойства; поэтому они чаще всего представляли собой вырезанные изображения божеств, мифологических персонажей, животных и важных повествовательных сцен.
Кольцо с римской инталией из сердолика, изображающее Цереру. Около II-III вв. н. э.; желтое золото с сердоликом
Для правящих классов эти типы гравюр также служили цели легитимации их правления и распространения их образа по всей империи.Портреты императоров и их семей, скопированные мастерами с монет, статуй или других резных фигур, часто заимствовали божественные образы, чтобы представить правителей как богоподобных и могущественных. Римские мужчины высокого социального положения также обычно носили кольца с инталией, чтобы легко маркировать восковые печати.
После падения Римской империи глиптика вышла из моды до эпохи Возрождения, когда возобновившийся интерес к античному миру и традициям охватил большую часть Западной и Северной Европы. С введением изучения трудов античных авторов в качестве неотъемлемой части образования любого аристократического или богатого молодого человека и популярностью «Гранд-туров » по Италии и Греции камея и инталия вернулись в полную силу. Путешественники либо начали собирать и сохранять древние образцы глиптики, в то время как другие заказывали камеи, выглядящие как древние, чтобы носить их в качестве украшений.
Подвеска-камея эпохи Возрождения. Камея начала XVII века. Драгоценные камни и жемчуг на современной цепочке из 14-каратного золота и застежке. MS Rau .
Возьмем, к примеру, исключительный и невероятно редкий кулон-камею (выше), созданный в начале 17 века. Камея изображает библейскую сцену жертвоприношения Исаака в стиле греко-римской эпохи. Как гласит история, Бог призвал Авраама принести в жертву своего единственного сына Исаака в знак своей веры. В самый последний момент перед тем, как Авраам убил своего сына, посланник Бога остановил его; тогда отец и сын вместо этого принесли в жертву барана. Эта камея изображает этот последний момент в истории. Центральный пылающий алтарь окружен Авраамом и Исааком, готовящимися принести в жертву барана, в то время как посланник Бога со шкурой льва, накинутой на его шею, стоит в левом углу.
Вторая, меньшая камея с боковым портретом в греко-римском стиле установлена в верхней части кулона, в то время как множество разноцветных драгоценных камней, жемчуга и эмали украшают оправу из 18-каратного золота. Большая барочная жемчужина, подвешенная к эмалированному дракону, завершает дизайн, воплощающий роскошь и театральность драгоценностей эпохи Возрождения. Можно представить, что принц или принцесса носили этот потрясающий кулон, поскольку его мастерство было зарезервировано для высшего общества эпохи Возрождения .
Миниатюрные портреты: тени и сентименты
Так же, как глиптика использовала свет и тень, чтобы пленить взгляд, миниатюрные портреты преобразовали эти же элементы в глубоко личные выражения чувств. В эпоху до появления фотографии эти крошечные шедевры сохраняли образы любимых людей с изысканной детализацией, запечатлевая не только внешность, но и эмоциональные связи, которые связывали их с людьми. Часто помещенные в медальоны, броши или кольца, они становились заветными реликвиями, которые владелец мог всегда носить и беречь как вечные знаки любви.
Портретные миниатюры в коллекции Музея Виктории и Альберта, Лондон.
Портретные миниатюры, которые появились в Англии и Франции в начале эпохи Возрождения, представляют собой очень маленькие портретные картины, которые развились из традиции миниатюр рукописей в эпоху позднего Средневековья. Портретные миниатюры были сначала известны как limning, или акварельные картины на веллуме, типе плотной бумаги, сделанной из подготовленной кожи животных. Поскольку портретные миниатюры стали пользоваться популярностью по всей Европе в конце 17-го и 18-го веков, эмалевые миниатюры, написанные на меди, или акварельные на слоновой кости стали предпочтительными техниками, используемыми миниатюристами.
«Жемчуг матери» Томаса Сейра Каммингса. 1841. Акварель на слоновой кости. Музей Метрополитен
Размеры этих портретов различались в зависимости от пожеланий заказчика, некоторые были размером 40 x 30 мм, что позволяло поместить их в медальоны. Как и их размер, назначение портретных миниатюр также различается. Они наиболее известны как интимные знаки любви и верности членам семьи или полными надежд мужчинами в поисках ухаживаний. Из-за большой продолжительности путешествий до появления поездов и сложности дистанционного общения их часто заказывали члены семьи перед длительным путешествием одного из ее членов.
Миниатюра Анны Марии Луизы Медичи работы Марии Дюшатель. Около 1695 г. Портрет на пергаменте в серебряной раме с бриллиантами и сапфирами. MS Rau (продано).
Безупречная портретная миниатюра, написанная Марией Дюшатель, голландской художницей-миниатюристкой, запечатлела красоту Анны Марии Луизы Медичи (1667-1743), последнего прямого потомка знаменитого итальянского дома Медичи. Она запечатлена в расшитом золотом декольтированном бледно -голубом платье, отделанном кружевом и украшенном драгоценными брошами, и синем плаще, накинутом на ее плечи, ее напудренные волосы зачесаны вверх.
Анна Мария Луиза Медичи была дочерью Козимо III Медичи, великого герцога Тосканского, который наслаждался беспрецедентным 53-летним правлением. Она приобрела значительную власть и влияние, выйдя замуж за Иоганна Вильгельма II, курфюрста Палатина, в 1691 году, что обеспечило ей роскошную жизнь в Дюссельдорфе. После его смерти в 1716 году Анна Мария вернулась во Флоренцию, где занялась защитой семейного наследия. Перед смертью она составила завещание, по которому огромное поместье Медичи передавалось тосканскому государству и гарантировала, что коллекция произведений искусства, сформированная Медичи за предыдущие три столетия, останется во Флоренции. Хотя ее часто изображали на портретах, сохранилось лишь несколько ее миниатюрных портретов, таких как этот, с его сложным исполнением, которое запечатлело ее раннюю жизнь вплоть до мельчайших деталей.
Эмалевые запонки герцога Виндзорского. Лондон, около 1905 г. Эмаль и 15-каратное золото. Из коллекции герцога и герцогини Виндзорских
Портретные миниатюры также были популярными дипломатическими подарками, которые преподносили правители, либо в качестве своих собственных изображений, либо в память о выдающихся поступках другого человека. Около 1905 года король Эдуард VII подарил своему внуку Эдуарду VIII, принцу Уэльскому, а позднее герцогу Виндзорскому, набор изысканных запонок. Запонки, изготовленные из 15-каратного золота, имеют на одной из них нарисованные вручную миниатюрные портреты королевы Александры, а на другой — короля Эдуарда VII.
Даже в современную эпоху портретные миниатюры служат дипломатической цели. В 2005 году Великобритания с размахом отметила двухсотлетие Трафальгарской битвы, которая была одним из самых решающих морских сражений, когда-либо происходивших. Тогда Нельсон применил совершенно новаторскую стратегию. Он разделил свои двадцать семь кораблей на две дивизии и расколол вражеский флот. Разбив трехъярусные галереи вражеского флагмана, адмирал лорд Горацио Нельсон разгромил объединенный французский и испанский флоты, тем самым укрепив британский флот как повелителя морей.
Серебряная позолоченная шкатулка в честь двухсотлетия Трафальгарской битвы. Имеет клейма Ричарда Джарвиса и Яна Калверта, Лондон, 2005 г.
Двухсотлетие этого знакового сражения включало создание памятной шкатулки из позолоченного серебра с расписанным вручную эмалевым портретом адмирала Нельсона, изысканно выполненным на 18-каратном золоте Джилли Хойт Байром. Перевернув шкатулку кверху, можно увидеть сцену легендарной битвы при Трафальгаре, нарисованную командиром Джеффом Хантом.
С появлением фотографии портретные миниатюры в значительной степени вышли из моды в обмен на реальные фотографии любимых людей. Фотографии были истинным подобием, не подчиняющимся прихотям техники или фантазии миниатюриста.
Викторианские силуэты: культурная одержимость
Когда фотография произвела революцию в способе сохранения людьми своих образов, другая форма искусства стала пользоваться популярностью благодаря своей простоте и доступности: викторианский силуэт. Эти теневые профили, созданные путем обводки и вырезания контура объекта, предлагали бюджетную альтернативу дорогой портретной фотографии. Их доступность сделала их культурным феноменом, украшающим дома, письма и даже ювелирные изделия. Несмотря на отсутствие сложных деталей нарисованных миниатюр или фотографий, силуэты несли в себе свое собственное очарование, сочетая практичность с артистизмом в передаче сущности личности.
Портреты миссис Джейн и мистера Уильяма Вудхеда Миллера. Около 1844 г. Почерневшая вырезанная бумага, прикрепленная к выцветшей белой бумаге. Музей Виктории и Альберта
Силуэтные картины существовали задолго до викторианской эпохи, поскольку плоские одноцветные портреты существовали еще у древних египтян. Однако только в Европе XVII века стало широко распространено рисование или живопись тени человека, отбрасываемой солнечным светом или светом свечи/лампы. Когда в XVIII веке бумага стала более доступной, в Европе и Америке вырезанные от руки портреты стали популярными памятными подарками. Слово «силуэт» для этой формы искусства было сатирически получено от имени французского министра финансов середины XVIII века Этьена де Силуэта, чьим хобби было вырезание бумажных теневых портретов.
Вырезанные теневые портреты иногда делались с помощью физиогнотраса, который был изобретен во Франции в 1783-84 годах. Чтобы использовать его, объект должен был сидеть неподвижно, пока его боковой профиль обводился стилусом, подключенным к устройству. Когда стилус обводил контуры его лица, контур переносился на бумагу, обеспечивая точное и реалистичное изображение. После завершения профиль можно было вырезать или заполнить черными чернилами, получая классический силуэт. Это нововведение позволило наладить массовое производство этих очаровательных сувениров, способствуя их широкой популярности.
Портреты теней Мозеса Уильямса. Сделано в музее Чарльза Уилсона Пила в Филадельфии в 1803–1805 годах. Вырезанный профиль пером и черными чернилами, следы графита на тканой бумаге. Художественный музей Филадельфии.
В XIX веке создание дагерротипа и фотографии означало, что теневые портреты и силуэты стали видом народного искусства. Художники на перекрестках улиц и на ярмарках предлагали свои услуги в качестве более дешевой альтернативы дорогой портретной фотографии. В некотором смысле теневые портреты являются наиболее демократичной формой портретной живописи, поскольку они позволяли людям, которые никогда не могли позволить себе официальные портреты, покупать или делать их самостоятельно.
Кадр из фильма «Носферату» . Реж. Роберт Эггерс. 2024
Очевидная одержимость силуэтами очевидна в их современных интерпретациях, часто встречающихся в сценах фильмов викторианской эпохи. Их суровые, затененные формы вызывают драму и ностальгию, как показано в «Носферату» (2024), где эти силуэты украшают стену в доме Джона Хардинга, создавая атмосферу "жуткой элегантности".
African't Кары Уокер. 1996. Вырезанная из бумаги стена. The Broad, Лос-Анджелес.
Задумчивые серьги от LizWorks x Cindy Sherman. 2019. Сардоникс в розовом и золотом цвете с розовым и лимонным кварцем. Тираж 50 экземпляров.
Глиптические украшения также возвращаются в современную моду. В 2019 году LizWorks, бренд, который сотрудничает с современными художниками для создания ювелирных изделий, работал с Синди Шерман, чтобы представить коллекцию серег-камей и ожерелий, вдохновленных древней традицией. Современные воссоздания идут рука об руку с возобновленным интересом к коллекционированию древних и старинных образцов изысканной глиптики.
