Важным шагом в концептуальном подходе отечественных мастеров к пластическому формообразованию в эмали стали тогда групповые выставки российских и прибалтийских художников «Мосты» (1987-1989 гг.), организованные в павильоне Летнего сада. Они включали небольшое число участников, но отбор работ делался по «гамбургскому счету». Эти выставки выявили тогда основные приоритеты творческих поисков художников из разных городов и республик страны, продемонстрировали высочайший класс мышления и мастерства, дали замечательный пример творческих контактов художников разных регионов, школ, национальностей. Выставки «Мосты», в свою очередь, стали стартовой площадкой для проведения в разных городах страны всероссийских и всесоюзных выставок «Художественная эмаль».
Значимость экспериментальных выставок восьмидесятых для развития студийного ювелирного искусства в Петербурге трудно переоценить. Они консолидировали творческие силы ювелиров и эмальеров, продемонстрировали новые материалы и технологии, сформировавшиеся творческие концепции и направления, которые могли бы определять развитие отечественного авторского ювелирного искусства последующих десятилетий. Однако, по ряду причин, этого не произошло.
Начавшаяся в стране во второй половине восьмидесятых годов «перестройка», стала временем серьезных политических, экономических перемен, изменивших и всю систему ювелирного производства в стране. С одной стороны, появление частного капитала способствовало оживлению ювелирной промышленности, поскольку на месте крупных, «неповоротливых» государственных предприятий появились десятки небольших частных производств, более мобильных и конкурентно способных, формирующих новый для страны профессиональный ювелирный рынок. Иная ситуация складывалась в студийном ювелирном творчестве. Оно получило полную «свободу слова» и самовыражения, возможность выбора любых материалов и форм деятельности, но оно потеряло главных заказчиков и спонсоров в лице Союза художников, Художественного фонда, Министерства культуры, государственных музеев, приобретавших авторские вещи. Это было очень непростое время для ювелиров: надо было как-то выживать, и многие профессионалы уходят в другие сферы творчества или частные предприятия, ориентированные на коммерческий спрос.
Тогда, на рубеже восьмидесятых-девяностых, впервые на отечественном ювелирном рынке четко обозначился коммерческий и художественный интерес к русскому ювелирному искусству второй половины XIX-начала XX вв., прежде всего, к наследию фирмы Карла Фаберже. Многие частные предприятия и независимые ювелиры выбрали тогда путь подражания или интерпретации стилистики произведений эпохи историзма и модерна, возрождали утраченные художественные и технические приемы мастеров эпохи Фаберже, но лишь немногие оказались готовы искать новые формы переосмысления этого наследия в контексте мышления художника конца XX века.
Владимир Шестаков. Кольцо Om. Санкт-Петербург. 2005. Эбеновое дерево, металл, пайка, выпиливание, монтировка. 5 × 2 × 2,7 см. Собственность автора. Кольцо Big Regatta. Ленинград. 1990. Эбеновое дерево, перламутр, жемчуг, металл, пайка, монтировка. 4,3 × 2,8 × 0,7 см. Собственность автора
Олег Анипко. Кольца из серии «Флора и фауна». Санкт-Петербург. 2006. Серебро, литьё, пайка, позолота. 3,7 × 2,2 × 3,4 см. 3,5 × 2,4 × 3,3 см. 4 × 2 × 3 см. Собственность автора
Весь спектр творческих интересов разрозненного ювелирного сообщества Петербурга тех лет – от исторической ретроспекции до авангарда, убедительно продемонстрировала тогда выставка «Во славу Фаберже. Искусство современных ювелиров Петербурга», организованная в 1993 году в Санкт-Петербургском Государственном музее политической истории России. В одной экспозиции объединились тогда продукция первых частных предприятий города – Ананова, Павлова и Либермана и произведения свободных ювелиров. Работы частных предприятий – миниатюрная камнерезная скульптура, фотографические рамочки, сигаретницы с гильошированной эмалью в стилистике Фаберже, продемонстрировали быстро растущее ремесленное мастерство петербургских ювелиров, однако это были вещи исключительно подражательные, они не несли новых идей в плане переосмысления этого богатого наследия. В работах же независимых ювелиров, несмотря на определенный ретроспективизм, были очевидны и попытки самостоятельного прочтения стилистики блестящего века Фаберже – декоративная пластика в технике литья В. Анипко, флаконы-ароматники со сканой эмалью О. Борисовой, изящные пасхальные яйца Т. Макиевской. Отсылки к традициям прослеживалась и в некоторых камнерезных работах, однако образная, конструктивная роль камня в этих композициях была уже иная – нацеленная на программную образность: плакетки из яшмы Г. Ковалевой, каменные мини-пейзажи из моховых агатов А. Безобразова, П. Браславского, О. Оркина.
Выставка «Во славу Фаберже» не стала тогда принципиально новым словом в развитии авторского ювелирного искусства Санкт-Петербурга и не дала качественного сдвига в осмыслении наследия русского ювелирного искусства рубежа XIX-XX вв. Но, оценивая выставку в целом, отметим, что свои задачи она тогда выполнила. Как писал В. Мухин, один из ее организаторов: «…даже самый строгий ценитель искусства драгоценностей не может не отметить необычайно развитого творческого мышления большинства участников выставки, а также основательности школы их исполнительского мастерства…и главное – неиссякаемой, волнующей фантазии» [5] Важно, и то, что эта выставка, впервые со времен «Ювелирной пластики», собрала вместе большинство петербургских ювелиров, рассеянных в результате экономического коллапса страны по своим мастерским, и переживавших в начале девяностых не лучшие времена. Выставка вновь продемонстрировала серьезный творческий потенциал города, выявила «генераторов идей», готовых продолжать эксперименты восьмидесятых. Их оказалось немного, но это были те художники, кто не мыслил себя вне ювелирного творчества.
Николай Балабин. Броши из серии «Графика». Санкт-Петербург. 2017. Металл, ниелло (чернь). 4,2 × 3,3 × 0,6 см. 6,9 × 4,7 × 1,1 см. 4,7 × 3,5 × 0,8 см. Собственность автора
В первую очередь здесь надо вспомнить Геннадия Васильевича и Наталию Абрамовну Быковых – несомненных лидеров петербургской ювелирной школы с 1980-х годов. Уже тогда они успешно участвовали в международных проектах, инициировали экспериментальные выставки. Их работы всегда становились заметным явлением любой ювелирной экспозиции. В девяностые к ним присоединяется сын – Денис Быков и вместе они продолжали генерировать идеи провокационных выставок, таких как «Зверский авангард» в 1999 г., с экспозицией ювелирных работ, размещенных в обезьяннике зоопарка. Единственные из петербургских художников они приняли участие в уникальном проекте «Бриллианты в Русском Авангарде», состоявшемся в 2001 году благодаря фирмам АЛРОСА и «Ювелирный театр». Проект стал тогда настоящим прорывом новых идей в использовании бриллианта, предоставив ведущим российским мастерам уникальную возможность продемонстрировать этот драгоценный камень в контексте авторского видения современного ювелирного искусства. Опыт этого проекта, к сожалению, остался уникальным и акции подобного масштаба нашим ювелирам больше не предлагались, но «вкус» работы с драгоценными металлами и камнями у ювелиров остался и многие начинают экспериментировать с этими «новыми» для них материалами.
В девяностые Быковы продолжают работать в диапазоне развиваемых ими ранее художественно-пластических идей. Г. Быков создает украшения, демонстрирующие характерную для этого мастера парадоксальность мышления, острый, «незамыленный» глаз, элементы юмора, игры – со смыслами, формой, материалом. Он развивает, теперь уже в драгоценных материалах, апробированные ранее темы – «Семь секунд из жизни женщины», где время насыщено смыслами, ассоциациями, и все балансирует на хрупком и подвижном равновесии предельно ясных и отточенных деталей. В его работах всегда есть точное соответствие замысла и его технологического воплощения. Это творческое кредо Г. Быкова и он придерживается его неукоснительно. К этому можно добавить еще одну заповедь художника – «Драгоценен не материал, а отношение к нему». Стилистика работ художника безупречна, мастерство исполнения – на высочайшем уровне и это действительно «вещи во времени» – еще один девиз, исповедуемый Г. Быковым в творчестве.
Наталия Быкова тоже закончила «Муху» и в 1971 году пришла во Всесоюзный научно-исследовательский и проектно-конструкторский институт ювелирный промышленности (ВНИИЮвелирпром), созданный при «Русских самоцветах», где собрались тогда многие ведущие художники этого объединения. В их творческие обязанности, помимо проектирования образцов для тиражной продукции, входило создание «перспективных» вещей для международных выставок и конкурсов ювелирной промышленности, где эти работы часто отмечались наградами, но, по возвращению на завод, оседали в ассортиментном кабинете института.
Оксана Наумова. Брошь из серии «Тени». Санкт-Петербург. 2020. Эбеновое дерево, металл, кварц, выпиливание, пайка, монтировка. 8 × 5,5 × 1 см. Собственность автора
Наталья Тарасова, Татьяна Тарасова. Кольцо For Form Plasticity. Санкт-Петербург. 2015. Бумага, янтарь, серебро, смешанная техника. 6,9 × 7,5 × 6,7 см. Собственность авторов
Н. Быкова, как и другие художники этой организации, создавала образцы для производства, но много работала и в авторском направлении. В отличии от Геннадия Быкова, ей всегда была чужда работа с отвлеченными понятиями и смыслами, с чистой формой, она отдавала предпочтение ювелирной пластике, природным и городским мотивам. Формальные решения ее работ разнообразны, образ строится на тонких ассоциациях, контрасте цвета и фактуры металлов. Н. Быкова всегда узнаваема и подкупающе искренна в своем творчестве, в ее работах присутствует отменный вкус и высочайшая профессиональная культура.
Эти качества, очевидно, «по праву наследования», перешли и к Денису Быкову. В его работах есть та же непринужденная свобода в выборе тем, неожиданное использование техник и материалов и артистическое соединение их в одной композиции – медь, латунь, сталь, золото, конский волос или детали компьютерных гаджетов. Быковы и в последующие десятилетия оставались знаковыми фигурами в профессиональном сообществе города, и их вклад в формировании нового художественного сознания петербургских ювелиров переоценить невозможно.
В девяностые в прошлое канули огромные всесоюзные и всероссийские экспозиции, организацией которых занимались Союз художников, Министерство культуры. Инициатива проведения выставок постепенно переходит к региональных музеям, частным культурным институциям, инициируется самими художниками. Так в 1995 году в Российском этнографическом музее в Санкт-Петербурге открылась выставка «Европейское ювелирное искусство 60-90-х годов XX века». Ее основу составили проиведения ведущих представителей европейского ювелирного авангарда из собрания музея в Пфорцхайме (Германия). У наших художников появилась, наконец, реальная возможность не только познакомиться с этими работами, но выставиться рядом с ними. Но так случилось, что отечественное ювелирное искусство оказалось тогда представленным, в основном, художниками «Русских самоцветов» и совсем небольшим разделом работ независимых ювелиров. Сравнение экспозиций оказалось не в нашу пользу, однако «…эта выставка перевернула сознание российских художников-ювелиров и заставила их вернуться к творческим экспериментам», от которых многие в сложные годы «перестройки» вынуждены были отказаться. [6]
Главный организатор этой выставки с немецкой стороны, господин Фриц Фальк, в то время директор Музея украшений в Пфорцхайме, решил продолжить работу с русскими ювелирами и инициировал в 1998 году следующую экспозицию – «Москва/Санкт-Петербург. Авангард в русском ювелирном искусстве» уже в музее Пфорцхайма, предложившую определенный срез авангардных идей в российском ювелирном искусстве.
Анна Терещенкова. Брошь «Раненое небо» (посвящение блокадному Ленинграду). Санкт-Петербург. 2022. Металл, выпиловка, пайка. 6 × 6 × 0,5 см. Собственность автора
Олег Тихомиров. Брошь и подвес «Высокое напряжение». Санкт-Петербург. 2023. Металл, лабораторный корунд, каучук, дифовка, монтировка. Брошь: 7,5 × 3,8 × 1,1 см. Подвес: 10,5 × 4 × 0,9 см. Собственность автора
Наконец и крупнейший музей страны – Государственный Эрмитаж, организовал несколько знаковых выставок. В 2002 году – «Ювелирный авангард. Истоки. Параллели», где вновь в одной экспозиции оказались произведения ведущих европейских и американских мастеров второй половины XX века из музея в Пфорцхайме и работы ювелиров Москвы и Петербурга. Задача выставки была так сформулирована М. Н. Лопато – куратором от Эрмитажа: «..показать зрителю, что, несмотря на все исторические коллизии, к концу XX века искусство российских художников вполне органично вливается в общий поток развития европейского ювелирного искусства».[7] И надо отметить, что работы российских художников, представленные на выставке, этот тезис убедительно подтверждали. А в 2014 г. Эрмитаж открыл экспозицию «Пластика в металле и камне», где доминировали уже произведения петербургских ювелиров и камнерезов.
Важно отметить, что в этих экспозициях, рядом с мэтрами, начинают выставляться и работы художников следующего поколения, которые в первом десятилетии XX века начинают играть заметную роль в ювелирной жизни Петербурга, получать награды крупнейших международных конкурсов. Так на выставке «Ювелирный авангард. Истоки. Параллели» были представлены работы сестер Н. и Т. Тарасовых, тогда начинавших свой путь в ювелирном искусстве. Яркая индивидуальность, артистизм художественного языка, высочайшая профессиональная культура этих мастеров не раз отмечались наградами самых престижных конкурсов, в том числе – Гран При конкурса мирового дизайна International Jewellery Design Excellence Award в Гонконге.
Некоторые имена талантливых молодых ювелиров мы узнали, правда, еще в девяностые, щедрые на творческие конкурсы. Среди наиболее значимых конкурсных событий тех лет, организованных в Санкт-Петербурге, надо вспомнить «Ювелирный Олимп», Международный конкурс «Фонда искусства Фаберже», конкурс молодых дизайнеров ювелирных украшений «Образ и Форма». Именно с этих мероприятий профессиональному сообществу стали знакомы имена художников, формирующих сегодня основной творческий контекст ювелирный жизни города: Анна Терещенкова и Олег Тихомиров, Татьяна и Наталья Тарасовы, Оксана Наумова, Евгения Кривошеева, Наталья Кильчицская, Роман Гриценко, Александра Траубе, Наталья Устинова, Людмила Сомова, Анастасия Дерябина, Наталья Ильясова, Цагана Бадаева и многие другие. Большинство из них и сегодня в профессии, успешно работают на ювелирных предприятиях и в студиях, инициируют проведение экспериментальных выставок нового формата, ставших важным фактором современного авторского ювелирного процесса.
Однако нельзя не отметить, что с конца 2010-х количество масштабных конкурсов в Петербурге, и в стране в целом, явно начинает сокращаться. Но в противовес набирает силу новое направление в деятельности ювелиров – создание масштабных проектов, персональных выставок, где генераторами идей и организаторами выступают уже сами художники.
Наталия Устинова. Комплект из двух брошей «Кочевники». Санкт-Петербург. 2023. Серебро, янтарь, чернение, фактурирование, 3D-печать, литьё, ручная сборка. 5 × 7 × 10 см. 5,2 × 7 × 1,7 см. Собственность автора
Олег Тихомиров. Браслет «Вестник». Санкт-Петербург. 2024. Металл, стекло, дерево, золочение, дифовка, пайка. 9,5 × 7 × 6,7 см. Собственность автора
Одним из первых таких масштабных творческих событий в Санкт-Петербурге стал Международный проект «GOODWOOD» (куратор Анна Терещенкова, концепция Олег Тихомиров) Проект был нацелен на новое осмысление возможностей дерева в контексте современного дизайна, мышления художника XXI века. Дерево предлагалось рассматривать не только как благодатный материал для пластических, цветовых, фактурных экспериментов, но и как «информационное поле, сгусток природной энергии, скрытой под внешней статичной оболочкой, дуализм материального и нематериального, живого и мертвого..». С 2009 года выставки «GOODWOOD» регулярно проводятся на разных отечественных и зарубежных площадках: Калининградский музей янтаря, Музей-заповедник Царицыно, Государственный музей Востока (Москва). Вещи вполне традиционные соседствуют здесь с работами провокативными, выполненными на стыке разных видов пластических искусств. Но так или иначе, дерево остается важнейшей смысловой, образной и пластической доминантой поисков художников. Ряд работ из проекта «GOODWOOD» можно видеть и в экспозиции «Невской перспективы».
Нельзя не вспомнить и другие проекты последних лет, ставшие событием в насыщенной ювелирной жизни города. Это выставка 2019 года «Ювелирный променад» в Елагиноостровском дворце-музее. (куратор А. Терещенкова). Художественно-пластической доминантой экспозиции, предложенной Оксаной Наумовой, стала аллюзия к садам Версаля – гармония земли и воды, соединение плотных и прозрачных, матовых и блестящих материалов в оформлении витрин. Выставка органично вписалась в классическую архитектуру Оранжерейного корпуса, получилась очень «петербургской» по образному наполнению работ, общему визуальному впечатлению.
Сёстры Тарасовы. Эскизы ювелирных изделий по заказу компании De Beers
В контексте этих выставок, мы видим, что последнее десятилетие все больше музеев проявляет интерес к демонстрации современного ювелирного искусства. Осталась в памяти выставка в Российском Этнографическом музее, где в витринах Особой кладовой, рядом с этнографическими украшениями, демонстрировались работы современных петербургских ювелиров, органично вписавшиеся в смысловой и визуальный контекст музейных раритетов. Автором идеи и организатором такой «коллаборации» выступила Анна Ратникова. Этот же куратор проводит выставки авторского ювелирного искусства в Музее-квартире В. В. Набокова. За несколько лет работы музея здесь прошли выставки Н. и Т. Тарасовых, Ю. Былкова; В. Вотского, большая ретроспективная экспозиция работ конкурса «Образ и Форма»
Петербургские художники активно осваивают и музейные пространства других городов страны. Одним из постоянных партнеров стал для них Калининградский областной музей янтаря, где за последние годы прошло несколько персональных выставок петербургских ювелиров – В. Долбина, А. Терещенковой и О. Тихомирова, выставка «GOODWOOD». В 2020 году здесь впервые был представлен проект «Невская перспектива», где в одной экспозиции можно было видеть современные работы и ретроспективу классиков ленинградской ювелирной школы, начиная с 1970-х годов: В. Поволоцкой, Т. Алексеевой, О. Оркина, В. Сивакова, Б. Павлова. Инициатором и куратором от художнического сообщества и на этот раз выступила Анна Терещенкова. Остается только восхищаться и удивляться ее энергии, организаторским способностям, готовностью щедро тратить свое время и силы на благое дело сохранения ювелирного наследия города, знаковых имен основателей «петербургской школы» и продвижения современного авторского ювелирного творчества.
Юта Паас-Александрова. Нагрудное украшение «Кружево». Ленинград. 1967. Серебро, плетение, оксидировка. 34 × 14 × 1 см. Коллекция Валентины Чиновниковой
Ирина Латкина. Кольцо «Белый лотос» из серии «Ботанические заметки». Санкт-Петербург. 2021. Древесина американского ореха, масло, оргстекло, латунь, монтировка. 5 × 3,9 × 3,7 см. Собственность автора
Вера Наумова. Брошь-объект «Звук». Санкт-Петербург. 2024. Мельхиор, серебро, сталь, латунь, монтировка. 20,5 × 11 × 3,5 см. Собственность автора
Масштабная выставка «Невская перспектива» в музее-заповеднике «Царицыно» (куратор А. Терещенкова) стала логичным развитием этого проекта. Однако диапазон представленных работ вырос теперь до полновесной ретроспективы авторского ювелирного творчества художников Ленинграда-Санкт-Петербурга, начиная с его истоков – 1960-х годов. Впервые за многие годы ряд крупнейших российских музеев – Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Сергиево-Посадский музей-заповедник, Государственный музейно-выставочный центр РОСИЗО и музей-заповедник «Царицыно», предоставили на выставку работы второй половины XX- начала XXI вв., хранящиеся в их фондах. Большинство этих вещей ранее не экспонировались и не публиковались, или демонстрировались давно и их не знает новое поколение ювелиров и зрителей. А ведь за каждой из них стоит уникальная творческая и человеческая судьба творца, с собственным художественным видением, авторским почерком. Все они жили и творили в Санкт-Петербурге, и его уникальное художественное наследие мощно влияло на личностное восприятие и понимание красоты этого уникального города, подчиняя их творчество незримым законам петербургской гармонии. Так рождался и формировался феномен «Санкт-Петербургской ювелирной школы», познакомиться с которым и предлагает эта уникальная выставка.
Галина Габриэль
кандидат искусствоведения, доцент,
заведующая кафедрой искусствоведения
Санкт-Петербургского государственного института культуры,
член Международной ассоциации искусствоведов,
член Санкт-Петербургского союза художников.
Фотографии произведений ювелирного искусства Эмиль Гатауллин
Фотографии экспозиции: Дмитрий Щёлоков, Максим Горлов
[1] Сохранская Н.М. Юта Паас-Александрова. Л-д.,: «Художник РСФСР», 1990
[2] Перфильева И.Ю. Русское ювелирное искусство второй половины XX века в контексте европейских художественных тенденций 1920-2000-е годы. М.: Прогресс-Традиция, 2016. С. 305
[3] Перфильева И.Ю.Там же. С. 321
[4] Габриэль Г.Н. Формирование нового художественного языка в ювелирном искусстве Санкт-Петербурга 1920-1990-х гг. Научный журнал Вестник СПбГИК. Декабрь 2015.- №4 (25).С. 170-171
[5] 5. В.Мухин. Каталог выставки «Во славу Фаберже», СПБ., АО «Ойкумена»,1993. С.17
[6] Перфильева И.Ю. Русское ювелирное искусство второй половины XX века в контексте европейских художественных тенденций 1920-2000-е годы. М.: Прогресс-Традиция, 2016.С. 433.
[7] Лопато М. Н. , Фальк Ф. Ювелирный авангард. Истоки. Параллели. Каталог выставки. — СПБ.: ГЭ, АО «Славия», 2002. С.5
