Начиная с 1630-х годов, эмалевая живопись пользовалась значительным успехом при европейских дворах. Её достоинства – точность рисунка, разнообразие цветовых оттенков, стойкость краски, устойчивость к свету и влаге – были весьма привлекательны. Она возродила декоративное искусство украшения небольших предметов роскоши, таких как портретные шкатулки, зеркала, часы, ювелирные изделия, использовавшиеся в качестве сентиментальных или официальных подарков. Портреты, цветочные мотивы, исторические сцены составляли репертуар, который ценился покупателями.
Жан Петито, Лондон, портрет Кэтрин Говард, леди д'Обиньи, по образцу Антуана ван Дейка, расписная эмаль на золоте, 10,67 см x 8,88 см, подпись и дата 1643 г.
В XVII веке живопись по эмали обновила орнаментацию аксессуаров, носимых на костюме, что свидетельствует о творческой жизненной силе, которая была очевидна во Франции во времена правления Людовика XIII и росте торговли предметами роскоши в Париже после Фронды. Изделия из золота и драгоценности были среди самых желанных вещей, поскольку они помогали утвердить ранг тех, кто ими обладал. В данном случае это были подвески, браслеты, шкатулки для портретов, зеркала, часы, которые, будучи ясно видимыми на одежде, были знаками принадлежности к богатому и культурному классу. Как и другие декоративные искусства, которые демонстрируют предпочтение, отдаваемое изображениям, например, гобелен или вышивка, живопись по эмали заимствует свои сюжеты (исторические сцены, портреты, цветы) из современной живописи, часто посредством репродукции гравюр, реже — посредством копирования живописных оригиналов. Идентификации в области живописи и гравюры, упоминания в инвентарях, сведения, представленные в трактатах о процессе или в результате изучения сохранившихся произведений, позволяют нам понять международный вкус, являющийся частью социального и культурного контекста того периода.
Новый метод живописи в миниатюре
В 1676 году Андре Фелибьен опубликовал около десяти страниц, посвящённых методу росписи миниатюр стекловидными красками. Он подчёркивает французское происхождение этого процесса и его преимущества: «именно этому недавнему времени и французам мы обязаны этими прекрасными произведениями, которые мы видим сегодня на золоте, где мы создаём портреты, написанные так же хорошо, как маслом, и даже композиции с историями, которые обладают тем преимуществом, что имеют первородный блеск и немеркнущий блеск».
Ясность и точность описаний Фелибьена во многом обязаны объяснениям его друга Луи дю Гернье, «королевского художника-миниатюриста», владевшего этой техникой. Он отмечал, что «эта работа, чтобы быть совершенной, должна быть выполнена на золотых пластинах, поскольку другие металлы не обладают такой чистотой». Он продолжал: «Поэтому именно на золотой пластине, покрытой белой эмалью, следует наносить рисунок того, что вы хотите написать». Белую эмаль, «хорошо растертую и очищенную крепким раствором [азотной кислоты], а затем тщательно промытую чистой водой», необходимо равномерно наносить на фон. Художник-эмальер тщательно составляет перечень цветов, указывая способ их приготовления. Обратите внимание, что цвета, используемые в цветных стеклянных блоках, отличаются от порошков, получаемых из прокаленных металлов; Чтобы сделать их стекловидными, необходимо, как указывает автор, добавлять «рокайль [кварц], к одним больше, к другим меньше, по мере необходимости. Но хорошие мастера вместо рокайля сами делают фонданы, которые чище и красивее, потому что в рокайле слишком много свинца». Фелибьен, как человек осведомлённый, отмечает: «Белый грунт, на котором пишут, служит белилами для всех цветов, потому что с момента начала работы и до конца его нужно беречь в местах, где должны быть блики и вспышки света, как в миниатюре». Краски, разбавленные лавандовым маслом, наносятся кистью; достаточно смешать их, чтобы получить различные оттенки. В этом отношении эмалевая живопись похожа на масляную. Более того, «как художники несколько раз ретушируют свои масляные картины, оставляя их сохнуть, так и эту живопись можно ретушировать столько раз, сколько пожелаешь, каждый раз помещая картину в печь (reverbere), следя за тем, чтобы снять её с огня, как только заметишь, что эмаль приобрела блеск». Рукопись, хранящаяся среди бумаг сэра Теодора Тюрке де Майерна в Британской библиотеке, содержит описание, во многом схожее с описанием Фелибьена; оно было написано, несомненно, около 1638 года художниками-эмалистами Жаном Петито и Жаком Бордье. Как и его предшественники, Дидье-Франсуа д'Аркле де Монтами предостерегает от использования эмалевых блоков, которые являются спецификой Венеции. Он посвящает целую главу флюсу, подчёркивая его роль в стеклообразовании красок и придании им блеска. Чистый, прозрачный, не содержащий свинца, он служит «связующим звеном между малыми молекулами цвета и в то же время прикрепляет их к поверхности белой эмали, остекловывая вместе с ней цвета» ( там же.., стр. 41). Монтами подробно описывает состав цветных порошков и заключает: «Художник-эмалист по своему желанию может создать палитру с такой же лёгкостью, как и художник, работающий маслом».
Художники по эмалевой миниатюре получают краски из оксидов металлов, подготавливая их особым образом. Используя готовые эмалевые блины, купленные в магазине, они тщательно замачивают их в азотнокислой ванне для удаления примесей и, в частности, для растворения содержащегося в них свинца. После тщательной промывки в воде они тонко измельчают их в аспидном масле (лавандовом). При использовании непосредственно минеральных порошков их просто декантируют в воде, затем разбавляют маслом и растирают с несколькими крупинками кварца, предназначенного для остекловывания. В зависимости от желаемого эффекта, краски наносят кистью, например, из ворса горностая, или железным наконечником. Переходы между тонами, тенями и светом достигаются пунктирной техникой, которая становится тем более искусной, чем более цвета изменяются при обжиге. Светлые цвета наносятся первыми, чтобы они приобрели свой полный блеск на белом и не исчезли после обжига на темных цветах.
Жан Тутен (Jean Toutin), дизайн подвески в форме черепахи,1619. С именем Тутена традиционно связывают появление в начале XVII века новой техники эмалевой живописи
Без текста Фелибьена роль Жана Тутена (1578–1644) была бы проигнорирована: «До 1630 года подобные работы были ещё неизвестны, поскольку лишь два года спустя Жан Тутен, ювелир из Шатодена […], наконец, раскрыл секрет ». Дату 1632 года можно опровергнуть, поскольку архивные документы подтверждают, что эта техника применялась с 1630 года. 15 февраля 1631 года часовщик из Блуа Николя Лемендр получил 2130 ливров за «семь часов из золотого дерева, покрытых эмалью с фигурками» для королевы Марии Медичи. Один из документов содержит новую хронологическую ссылку на начало эмалевой живописи. 10 апреля 1630 года Луи дю Арле, камергер королевской палаты, продал Николя Буйару, нотариусу и секретарю короля, «золотую цепь [...], на которой лежала шкатулка с портретами, в которой находился часовой механизм». Архивы и сохранившиеся датированные документы свидетельствуют о расцвете эмалевой живописи во второй четверти века, сначала в Блуа, а затем в Париже и Лондоне. В этих городах, где спрос на драгоценности стимулировался изысканным двором, работали отец и сын Тутен, Исаак Грибелен, Кристоф Морльер, Робер Воке, Пьер Шартье, Луи Ганс, Луи дю Гернье, Пьер Жан, Жан Петито, Жак Бордье, не говоря уже о незарегистрированных эмальерах. Эти художники были либо ювелирами, виртуозно владевшими рисунком и цветом, либо живописцами, очарованными возможностями этой техники.
Предметы роскоши, предназначенные для индивидуального пользования
Двусторонняя подвеска, золото, роспись по эмали: «Освобождение Андромеды Персеем» с одной стороны, цветы с другой, 39 x 28 мм, около 1640–1650 гг.
Аксессуары для украшений служат идеальной основой для использования декоративных эффектов. Эмальеры в основном расписывали подвески, подвешиваемые на талию или на грудь, зеркала, подвешиваемые на поясе, корпуса часов и ювелирные изделия. Эти изделия ценились клиентурой, стремившейся утвердить своё социальное положение и отразить свой «современный» вкус.
Часы с эмалевым портретом с изображением Филиппа IV, около 1665 г.
Часы с изображением Марии Терезии Австрийской, около 1665 г.
Мода на расписные корпуса часов быстро проявилась, как свидетельствуют письменные источники. Приведём несколько примеров. Мария Медичи заказала семь часов с росписью, изображавшей «фигурки», которые, как мы уже отмечали, вероятно, были религиозными или мифологическими персонажами в 1631 году. В 1637 году герцогиня Монпансье подарила королеве Анне Австрийской «эмалированные часы, и это были фигурки, соответствующие обычаю того времени». Кардинал Мазарини, любитель роскоши, владел «часами с золотой шкатулкой, покрытой эмалью с историей снаружи и внутри в серо-белых тонах» и «двумя часами с золотыми шкатулками, покрытыми эмалью с историями снаружи и пейзажами внутри».
Робер Воке (Блуа, эмальер) и Жак Гуллон (Париж, часовщик), часы с золотым корпусом, расписанные эмалью с батальными сценами по мотивам работ Антонио Темпесты и Джулио Романо, диаметр 50 мм, около 1650 г.
Носимые на талии, на груди как брошь или подвешенные на цепочке, как браслет, медальоны, написанные на эмали портретов, конкурируют с медальонами, выполненными гуашью на пергаменте или маслом на металле.
Анри Тутен, Париж, «Царицы Персии у ног Александра» по мотивам картины Шарля Лебрена, расписная эмаль на меди, 9,47 см x 12,69 см, подпись и дата 1671 г.
Зеркал, украшенных эмалевой живописью, сохранилось крайне мало, вероятно, из-за неуклюжести в обращении и трудностей, связанных с обжигом больших пластин. Расписные медальоны овальной формы с двойными крышками – популярная продукция, о чём свидетельствует их сохранившееся количество.
Актуальные темы
Роспись по эмали удовлетворяла заказчиков, которым доставляло удовольствие обладать миниатюрными образами, составлявшими их визуальную культуру. Они отдавали предпочтение портретам, цветам, «красивым» историям, аллегориям, религиозным сценам. Выбор зависел от обстоятельств заказа: личное использование, сентиментальный подарок, дипломатический дар и т. д.
Успех этой техники в портретной живописи не заставил себя ждать. В описи мастерской Исаака Грибелина за 1634 год упоминаются «2 малые золотые портретные шкатулки с эмалью». На портрете Карла I Английского, первом сохранившемся портрете, написанном эмалью, указана дата 1636 год; на портрете также есть подпись и дата: «Генри Тутен, ювелир, изготовлен в 1636 году».
Начиная с эпохи Возрождения, жанр небольшого портативного портрета приобрел свое социальное и политическое значение. В виде камей, инталий, миниатюр на пергаменте портреты монтировались в виде подвесок, знаков для шляп, браслетов, в рамах из драгоценных камней и эмали. Их заказывали для себя или в качестве дипломатических подарков. Живопись на эмали, с ее образными возможностями и материальными качествами, является новым средством репрезентации, высоко ценимым. Портреты копируются с картин Антуана ван Дейка, Филиппа де Шампеня, Пьера Миньяра, Жана Нокре, Жюста д'Эгмона и др. Эмальер перерамляет свою модель, чтобы адаптировать ее к овальной форме основы и поместить лицо по центру. Часто он использует репродукции гравюр, которые избавляют его от такой работы, как у Бальтазара Монкорне. Картина дополняется обрамлением из полихромных или черно-белых рельефных эмалей, как прозрачных, так и непрозрачных, нанесенных на ажурную золотую раму. Особенно привлекательны гирлянды, украшенные цветами и лентами в стиле Жиля Легаре и Жака Воке. Драгоценные камни украшают портреты, помещенные в шкатулки для портретов. Первым монархом, широко использовавшим эти шкатулки, раздаваемые в качестве награды или подарка, был Людовик XIV. Его ювелиры регулярно заказывали Жану Петито погрудные портреты монарха, которые затем вставлялись в бриллиантовую оправу. Датские короли и их свита также проявляли интерес к эмалированным портретам, о чём свидетельствуют работы женевского художника Поля Приера, состоявшего у них на службе в 1656–1681 годах. В замке Розенборг хранится серия из шестнадцати портретов Фридриха III, написанных между 1666 и 1669 годами, несомненно, предназначавшихся для хранения в подарочных шкатулках. Стоит также отметить деятельность при копенгагенском дворе малоизвестного художника по эмали Луи Гуллона; в 1672 году он подписал портреты Кристиана V и Шарлотты-Амели.
Часы, украшенные портретами, внутри или снаружи, ценятся так же, как и шкатулки с портретами. Подобно великолепным росписям того времени, заказы демонстрируют использование аллегорий и мифологии в изображении правителей. Различные стороны корпуса, за исключением циферблата, позволяют изобразить исторический цикл.
Жан-Пьер Юо (Женева, эмальер) и Йоханнес ван Кейлен (Гаага, часовщик), часы с корпусом, расписанным по эмали, Венера и Адонис , диаметр 37 мм, около 1680–1700 гг.
В области религиозной и мифологической живописи выбор пал на работы современных парижских художников. Эмальеры переписывали гравюры и воспроизводили их, адаптируя к ограничениям формы основы и свободно выбирая цвета. Иногда использовались оригинальные работы. В почёте были сцены из Нового Завета, в частности,изображение Святого Семейства, Богоматери с Младенцем. Интерес к знаменитой любви и сильным женщинам соответствовал тенденциям вкуса в драгоценной среде. Преобладали трагические истории Венеры и Адониса, Париса и Елены, Дидоны и Энея, Клеопатры и Антония.
Распространенность цветочных мотивов в декоративно-прикладном искусстве и интерьере отражает интерес к ботанике. Решающий импульс был дан Гастоном Орлеанским в Блуа, примерно в 1630 году, в период расцвета эмалевой живописи. В Страсбурге его современник граф Жан де Нассау-Идштейн разделял ту же страсть. Эмалевая живопись хорошо отражает этот вкус. Фелибьен свидетельствует: «Пьер Шартье де Блуа начал создавать цветы, что ему прекрасно удавалось. И мы сразу же увидели, как несколько парижан пристрастились к этой технике живописи, из которой были сделаны медали и другие небольшие работы». Цветы тщательно прописаны на белой эмали, изолированы друг от друга, чтобы подчеркнуть их детали. Тюльпаны, пионы, гвоздики, анютины глазки, нарциссы образуют композиции, вдохновлённые коллекциями гравюр ювелиров. Наиболее часто используются работы Франсуа Лефевра под названием « Книга о цветах и листьях для обслуживания искусства ювелирного дела» (1635) и Николя Кошена «Новая книга о цветах, весьма полезных для искусства ювелирного дела, и другие» (1645). После 1650 года в моду входит столь же натуралистичный, но пышный декор в манере художника Жана-Батиста Моннуайе; эмальеры ссылаются на модели Жака Воке и Жиля Легаре, созданные для них.
Статья полностью доступна по ссыылке (на французском)
